Universidad Nacional de Colombia
Escuela de Artes plásticas y visuales
Taller Espacio
Sasha Cano
Juan José Posada
Hacia una Política de las Formas
Síntesis
Cohabitaciones
Sistemas Visuales
El autor reconoce entre dos tipos
de arte históricos. El arte renacentista y el moderno. Postula que la pintura
renacentista se encontraba limitado pues, gracias a la perspectiva, el
espectador en un punto de vista mono óptico se podía situar en un único lugar. Además
asignaba valores o símbolos sociales. El arte moderno busca darle al espectador
muchas miradas, busca que sus en su experiencia, este, se sienta envuelto.
Finalmente hace una relación simbiótica entre la multiplicidad de las miradas y
el arte proveniente de África y Oriente.
La imagen es un momento
El autor nos habla de que
efectivamente la imagen es un momento. Esta detenida en el tiempo: no avanza y
no se detiene.
Lo que muestran los artistas
Realidad: aquello de lo que puedo
hablar, de aquello que se puede mantener una conversación con el otro.
Imaginación: prótesis que se fija sobre
lo real con el fin de producir mas intercambios entre los interlocutores.
El arte destruye lo a priori, es
necesario de la experiencia . El artista hablaba por códigos, y en el arte
moderno se han roto. Dichos códigos se han roto para traspasar los limites,
ahora el artista y el espectador son quienes deben trabajar para darle un nuevo
sentido a los objetos.
Los limites de la subjetividad individual
El artista no piensa solo ni actúa
solo. Esta rodeado de un contexto y por ende dicho contexto afecta su obra y el
afecta el contexto. Pensar en lo contrario es un cliché.
La ingeniería de la subjetividad
Los años90 vieron la tecnología
influir en las practicas colectivas. El arte no estuvo exento de ello y el
artista se encargo de usarla como recurso. Este recurso pone en relación una
nueva estructura en la relación artista obra y espectador: artista,
interlocutor, publico activo. Esta visión de la obra como un interlocutor
procuraba al artista de una despersonalización y la obra surgía por la relación
entre el interlocutor y el publico activo. Pese a que el autor no lo dice se
esta refiriendo a lo que posteriormente se designara como arte interactivo.
¿Un arte sin efecto?
Una de las criticas que se le
hace al arte es su supuesto carácter de interés elitista. Sin embargo esto deja
de lado propuestas que buscan ser de un arte para todos (por ejemplo el arte
conceptual) y que son atacadas de la misma manera. El autor propone que este
ataque, a dicho arte, surge no por el carácter elitista sino porque el artes es
una forma suavizada de critica social.
Estas obras se juzgan, según el
autor, a partir del criterio de coexistencia: tomando en cuenta la historia del
arte y el valor político de las formas. Se mira en ellas “la proyección de lo simbólico
y lo real”. Postula por ultimo que la exposición de arte, es una forma de sacar
a este de su alienación reinante.
El porvenir político de las formas
El desanimo de la sociedad se da
a partir de la no materialización de las ideas, de su falta de forma. Después
de la modernidad y su fracaso al no hacer reales y aplicables sus ideales, las
relaciones en el arte han cambiado. Las nuevas relaciones, influenciadas por el
capitalismo, se encuentran en una dinámica
proveedor/cliente. Dinámica que ha logrado hacer del arte algo utilitarista y
mercantilista, aunque no con totalidad.
Rehabilitar la experimentación
No se pueden formalizar ideas sino
se es libre para la experimentación. Si uno no es libre y no experimenta y deja
muchos elementos al azar no produce nuevos conocimientos. Es decir simplemente
vuelve a las tradiciones y realiza operaciones meramente técnicas, que desbocan
en una repetición de aquello que ya se ha hecho.
Estética relacional y situaciones construidas
El arte ha cambiado para ser
situacionista y en esa medida se inmiscuye en un carácter de lo cotidiano. En
dicho carácter una obra puede ocurrir sin necesidad de un otro, mas el arte
necesita de otro para suceder. Aun así, este arte, logra mostrar elementos mas allá
de la cotidianidad y proponer nuevas dinámicas dentro de ella. Así se proponen
obras no convencionales, en la medida en que la única relación sea a través del
intercambio, que cambian el paradigma y lo reconcilian con el arte.
El
paradigma estético
Félix Guattari es un escritor cuyas preocupaciones plásticas le
han llevado a escribir en una forma similar a esta. Es decir con un pensamiento
de la escultura, del dibujo, de la composición y otros elementos de la plástica.
Este compañero en varios ensayos de Gillez Deleuze, impone en estos una estética
propia de sí. En este capitulo el autor se basa en la explicación de algunas
ideas importantes que se verán en los siguientes capítulos.
La
subjetividad conducida y producida
Desnaturalizar la subjetividad
Guattari propone desnaturalizar
la subjetividad. Quitarle su valor elevado con el fin de evitar que esta se
convierta en un equipamiento colectivo. Es decir que ser torne rígida y al servicio del poder de unos cuantos. En
esta medida, dice el autor, esta subjetividad se asemeja al arte. No solo en el
aspecto ya comentado sino también, en la medida en que ambas, el arte y la
subjetividad, buscan conquistar la individualidad. Ambas necesitan ser
transformada (desnaturalizadas y desterradas) para que no caer en un uso
mercantil vulgar.
Estatuto y funcionamiento de la subjetivad
Se proponen dos análisis de la subjetividad
desde la fenomenológica y el estructuralismo. Para la fenomenológica la
subjetividad es una realidad individual en donde no puede existir nada mas,
mientras que, para el estructuralismo es solo una superstición o la ideología
de unos pocos, casi un concepto utópico.
Respecto a este tipo de
subjetividad Guattari hace un análisis, basado en estudios de semiótica y antropología,
en donde explica como la subjetividad individual es un caos. Además muestra
como es necesario ampliar el territorio de lo subjetivo a un termino colectivo.
Argumenta que hasta ahora la subjetividad individual esta manejada por la
estructura mental de orden cultural. Para que exista la subjetividad individual
y personal, es necesario el medio que se antepone a esta; reconociendo así un
conjunto de relaciones sociales y no solo la producción de un sujeto. Para
producir esta subjetividad colectiva es necesario el entorno cultural, el
consumo cultural, y los artilugios ideológicos. Finalmente una producción
indéxica, individual y personal que crearan nuevas relaciones sobre la
experiencia humana. De este modo Guattari ve el arte como un detonante de la sensibilidad.
Las unidades de subjetivación
Tomando en cuenta lo anterior y
retomando las nociones románticas del arte, Guattari busca cambiar el paradigma
de la subjetividad en el arte. Expresa que para el actual tiempo, y retomando
las concepciones estéticas de Kant, Hegel y el romanticismo, debemos aceptar
que la subjetividad esta ligada al arte. Sin embargo, para una época contemporánea,
no se puede ver al artista como un genio sino como un operador de sentido, pues
esto, es solo ver en el la posibilidad de capitalizar su subjetividad.
En cambio propone una homogenización
de la subjetividad con el fin de desmercantilizar la noción de arte. Al valer
la firma, la unicidad y la subjetividad individual como se ha hecho desde el
romanticismo, el arte ha entrado en una dinámica mercantil donde se le de valor
a dichas elementos. El autor según lo que Guattarri propone, es romper dicha subjetividad, dejar de
firmar y quitarle valor al estilo, con el fin de cambiar el curso del arte y
evitar que sea solo un producto capitalista mas. Recoge esta ultima propuesta
exaltando el trabajo y las propuestas de corrientes artísticas y artistas como:
Marcel Duchamp, Andy Warhol,
Raushemberg, Beuys, los surrealistas, el dadaísmo y los situacioncitas.
La critica del paradigma del cientificismo
Para Guattari la estética tiene
el gran poder de adaptarse a diferentes niveles del conocimiento y a todos los
saberes. Sin embargo cuestiona la adhesión a una academia y alienta la
producción de nuevos sentidos que no surjan desde el pensamiento cientifista,
sino mas a la manera de la creación procesual como la que lleva a cabo un
artista. Producción de
conocimiento que esta sujeta a incertidumbres y no a una verdad irrefutable.
Siempre la misma canción, el síntoma y la obra
El autor retoman los conceptos de
la labor del artista y la actividad de la contemplación. Dicha actividad se
resalta en la medida en la que afecta la psique del espectador. Bajo este
precepto juzga de estar enferma a la sociedad, y que su enfermedad se llama capitalismo
y su efecto la homogeneidad. Compara también la labor del artista con la del psicoanalítico
en la medida en que ambos trabajan, no solo en la psique de otro, sino en la
medida en que ambos realizan su actividad sobre materias inexistentes. Ambas
profesiones, bien sea la del psicoanalítico o la del artista, pueden llevar a
la neurosis o a la claridad. Propone que según Guattari el arte tiene la
posibilidad de curar la homogenización que ha producido el capitalismo.
La obre de arte como objeto parcial
La obra de arte es importante
como una posibilidad de subjetivación estética que sorprende al espectador y
crea nuevos sentidos simbólicos, no retóricos ni discursivos. Entiéndase la
obra como un canal de información en el que existe una transferencia de
subjetivación entre en autor y quien mira la obra. Esta transferencia es
inconsciente y relativa en tres instancias: lo que había previsto realizar el
artista, lo que realizo, lo que el espectador ve en ella. Así se demuestra como la obra
resignifica conceptos, como bien lo expone Duchamp en su obra. Sin embargo esta
producción de conocimiento crea solamente enunciados parciales que se
insertaran en la subjetividad colectiva debido afectos y perceptos de quien
observa la obra, sujeto a sus construcciones sociales.
Para una praxis artística ecosofica
La ecosofía es una practica que
busca reconstruir aquellos territorios, políticos, sociales y tangibles. Busca reconstruir aquel vacío que el
capitalismo, la búsqueda exagerada de bienes y el deterioro de los territorios
existenciales individuales y colectivos, ha dejado. Todo esto a partir de la subjetividad, de cambiar aquellas
viejas ideas que rompen con lo social, lo privado y lo civil. Es por eso que el
arte contemporáneo es uno de sus grandes aliados.
El autor nos expone como el
cambio de miradas del arte moderno al contemporáneo a servido a la causa de la ecosofía.
Como gracias a su carácter pluridisciplinario e inclusivo a logrado potenciar
obras importantes. Cita como ejemplos la obra de Marcel Broodthaers, quien relación
la imagen y la poesía, Joseph Beuys quien incluye la política en forma y
Guattari quien parece recoger aquellos desplazamientos en el arte para producir
su critica a los sistemas de producción y la segregación de una profesión
especifica.
La economía conductista del arte actual
Sin embargo, el autor, deja
abierta una pregunta ¿Cómo insertar esta estética, propuesta por Gauttari, en
las tramas rígidas de la economía capitalista? A lo que responde que según
Oscar Wilde: la modernidad es el momento para que la vida imite al arte. En esa
misma media Marx propone una praxis y una poiesis en donde se transforma a si
mismo y transforma a la materia. Finalmente George Batail hace una critica a la
economía capitalista en la que todo ha de tener una función, que clasifica la
existencia humana en categorías preestablecidas. Así Guattari nos dice que la única
finalidad aceptable de la actividad humana es producir subjetividad que
enriquezca la relación con el mundo.
Para ello el mejor ejemplo son los artistas contemporáneos que utilizan
el tiempo como material e incitan al espectador a modularlo. Siendo ellos mismo
universos de subjetivación en constante flujo.
El objeto del arte, según el
autor, es resistir a la perversión
mercantilista para acompañar y orientar cambios sociales. Muestra de ello es el
Ready-made asumido como un dispositivo plástico, poietico, que tiene el poder
de transformar una realidad.
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